NOTA. ESTOS SON EXTRACTOS DEL LIBRO "EL TRABAJO DEL ACTOR DE CINE” "INTERPRETACIÓN CINEMATOGRÁFICA" Actuar es elegir la voluntad /objetivo del personaje y hacerlo nuestro en circunstancias imaginarias, de manera creíble para el espectador que lo ve en pantalla. Verdad y credibilidad son las armas de identificación del actor con su público. El actor puede confiar en sí mismo cuando conoce lo que necesita para comunicar las propias elecciones del personaje. Estudio de uno mismo y de las actitudes y escucha de los demás son las piernas de nuestra interpretación para poder caminar enfrente de una cámara. El desconocimiento del medio, la falta de experiencia, el lenguaje distinto al del director y el resto del equipo técnico, provocan dificultades personales de comunicación que le impedirán elegir libremente las elecciones del personaje. El actor ha de conocer lo que le hace falta para entrar en situación de lo que quiere su personaje, para ello, ejercitará en su práctica diaria, una metodología básica dependiendo de su formación, pero en el medio audiovisual necesitará saber elegir la actitud de su personaje en cada frase o silencio, entender las necesidades técnicas, observarse a sí mismo y desarrollar la escucha de los demás para tener fluidez en la imaginación de circunstancias que provoquen estímulos al personaje con el objetivo de realizar su deseo, identificar el conflicto de una secuencia y reaccionar con una elección comunicativa simple y eficaz. Podrá usar sus recuerdos para encontrar claves de su propia experiencia aplicables al personaje, o recoger los estímulos del otro compañero actor u otros miembros del equipo que tengan como objetivo comunicar en el plano la misma intención elegida por todos, pero lo más importante, tendrá que estar su imaginación comprometido totalmente con la situación y personajes propuestos en la toma. Su miedo desaparecerá cuando esté su imaginación libre para crear en confianza, y su nivel de concentración dependerá de su nivel de compromiso en recrear intenciones y encontrar conflictos. El actor del audiovisual tendrá que saber elegir las intenciones, adaptarlas a la técnica y confiar en su espontaneidad al comunicar. Tiene que desarrollar su propia observación que dará paso a la imaginación y estudiará la técnica cinematográfica para entender el medio por el que comunicamos nuestras elecciones y nuestra composición de personaje. (ver “La técnica del actor de cine” Editorial Cátedra, Assumpta Serna) El actor ha de saber identificar las herramientas personales que posee para que aparezca creíble la actuación. Al actor del audiovisual le es necesario saber qué necesita para comunicar y estudiar el resultado de su comunicación. El personaje es lo que hace, se define por lo que quiere, no sólo por lo que dice. Cuando construimos cualquier proceso de acción, procuremos decir otra cosa que la que mostramos para llenarlo de deseos contradictorios. Así el espectador puede a su vez, dialogar con el personaje, escuchando y eligiendo a su vez interactivamente, provocándole una acción mental o física. Sólo buscando la intención encontraremos la acción que podremos actuar. Sólo eligiendo y actuando la intención puede el actor estar libre para añadir obstáculos y detalles como acciones y rasgos de personalidad necesarios para dar la ilusión de realidad. INTERPRETACIÓN CINEMATOGRÁFICA "2"" El actor necesita conocer las funciones de los otros departamentos, y tener información de las elecciones creativas del director de fotografía, de la cámara, de arte, de maquillaje y peluquería, de vestuario etc, para poder sentirse un técnico profesional, adaptado al equipo, activo para proponer y útil para enriquecer el proceso creativo propio y de los demás. El actor que es curioso en la técnica cinematográfica es capaz de proponer en el rodaje las herramientas profesionales necesarias para poder ser considerado profesional y no personaje y así ampliar en un futuro el espectro de los personajes que se le asignan. Aide‐memoire para interpretar Para que el actor elija las acciones de su personaje e incorpore vida al texto, es conveniente que tenga en cuenta a modo de “check list” o “aide-memoire”, las siguientes consideraciones antes de interpretar cualquier personaje: 1) Identificar la función de su personaje con relación al tema de la película o el superobjetivo del guión 2) ¿Qué quiero? Lo que quiere el personaje tiene que: a) Ser Activo: Resumir la necesidad del personaje en un verbo activo en gerundio que desarrolle nuestra imaginación y la del espectador. Leyendo no es tan interesante para el público como revelando o amando. b) Ser Posible. Ha de ser posible con la circunstancia, el texto, la intención, las acciones. c) Ser Positivo. Lo que quiero tiene que tener una energía positiva para entretener, si es negativo tiene que funcionar por oposición. d) Cuando más urgente y más importante sea la necesidad de obtener lo que quiere, más interés despertará en el espectador. Al personaje ha de importarle lo que cuenta, y para encontrar el peso a lo que quiere, hay que identificar qué pierde el personaje si no consigue lo que quiere. Para el personaje, la pérdida de lo que quiere es importante e imposible. Como más imposible de alcanzar parezca, más cerca estará de un conflicto verdadero, interesante para el público, nunca será aburrido. e) ¿Qué aprende? ¿O qué gana el personaje si consigue lo que quiere? El actor elige en qué momento se produce la revelación del personaje: dónde comprende el problema o encuentra una solución. Identificando lo que aprende, incitamos a cambios del personaje, que provoca la evolución del personaje en un arco. Contexto de la escena o el monólogo en el guión: plano final anterior y posterior distintos. Para el público es importante que el personaje haya aprendido, haya evolucionado con la historia que se nos ha contado. 3) ¿A quién lo digo? ¿De dónde llego? 4) ¿Dónde estoy?: Geografía y contexto del lugar. Comunicar con imaginación lo que no se ve en plano. 5) Elegir o identificar conflicto a) Con uno mismo: Yo quiero pero no puedo. ¿Sé por qué?: un personaje no está seguro de sí mismo, de sus acciones. b) El otro no quiere: ¿Quién?: El obstáculo está fuera de si mismo e idealmente llega de cómo tu personaje percibe el objetivo o necesidad del otro personaje en escena o antagonista. c) El conflicto puede ser social: entre una persona y un grupo d) Conflicto de situación: cuando los personajes tienen que afrontar situaciones de vida o muerte e) Conflicto cósmico: se plantea con el enfrentamiento entre una persona y Dios o el diablo, o un ser invisible 6) Encontrar la debilidad de personaje: buscar su contradicción: quiero una cosa y digo otra o quiero una cosa y luego la contraria 7) ¿Qué me pasaría a mí si el conflicto fuera mío? ¿Qué le pasaría a un personaje conocido?: Trabajo de la imaginación y memoria. 8) Ocasionalmente, elección libre de síntomas reveladores de patología 9) ¿Qué le va a pasar después? El actor elige abriendo el personaje al público para producir misterio al añadir contradicciones. Este mecanismo sirve para despertar activamente la imaginación del espectador dejando inacabado el conflicto de la escena, encontrando las fuerzas contradictorias entre lo que el personaje quiere al principio y lo que quiere al final e identifica un signo que resume la contradicción. El actor de cine tendrá que recordar la continuidad emocional y de intención del personaje en tal secuencia o plano. La discontinuidad secuencial en el rodaje de un personaje por razones de decorado o iluminación, Es nuestro trabajo recordar las acciones que hemos hecho en la toma anterior. Las acciones deben partir de impulsos que parten de las elecciones que hemos hecho de las intenciones del personaje. Ver el video de referencia en un rodaje puede ayudarnos a recordar, pero en realidad, casi nunca tendremos el tiempo necesario para estudiar la secuencia en detalle delante del monitor. El gráfico dramático1 es una herramienta de trabajo eficaz para ayudar a ordenar la curva de intenciones y los cambios emocionales. • En la etapa de preproducción de la película, el gráfico es una ayuda creativa para el actor. Es una base de datos, resultado del trabajo de investigación del propio texto y de las conversaciones con el director y otros miembros del equipo. Es un punto de apoyo para saber dónde quiero ir, dónde voy y de dónde vengo. • En la etapa de producción de la película, el poder ver a nuestro personaje desmenuzado en un gráfico, nos ayudará para nuestra preparación diaria, antes, durante y después de rodar. Tener el gráfico siempre cerca del guión, nos ayuda para nuestra ubicación antes de la secuencia para poder “imaginar” en el plano. Es también útil como repaso, en los momentos de descanso de lo ya interpretado, para comparar lo hecho con con lo escrito por si hay que modificar alguna anotación anterior o posterior. Si se mantiene al día el gráfico, anotando detalles relevantes de lo ya rodado, ayuda a organizar el personaje con precisión. • Una observación del gráfico en la etapa de postproducción y una vez estrenada la película, puede también sernos útil para doblaje o para posteriores trabajos, para comprobar lo pretendido con el resultado obtenido. • El gráfico puede y debe ser generador de ideas y tiene que estar abierto a modificaciones. Todas las anotaciones han de ser modificables y flexibles por la misma dinámica del trabajo en cine. Es nuestro propio plan de acción del personaje. • Observando el gráfico, se pueden tomar muchas decisiones, por ejemplo las secuencias que no hace falta memorizar hasta el día antes de rodarlas, el grado de concentración requerido en un plano y así poder estar más libres y concentrados en nuestra labor diaria, olvidando lo escrito y empezando a actuar con las intenciones y elecciones justas que hemos elegido. El gráfico es útil dividirlo en: • Número de la secuencia en guión, para localizarla a diario en el plan de rodaje. • Número de la página en guión, para localizar la secuencia en nuestro guión rápidamente. • El sitio de rodaje que está descrito en el guión y si hemos tenido oportunidad de estar en el set, aquellos objetos de decoración que sepamos que podemos utilizar. La hora en que tiene lugar la secuencia: si mi personaje en la secuencia vive de día o de noche afecta a su estado de ánimo. Descripción de la secuencia con una sola frase que resume el objetivo de la secuencia que explora el tema del guión. • La necesidad de mi personaje en cada secuencia, lo que quiere conseguir, resumido en pocas palabras. Si la misma intención del personaje coincide más de una vez, conviene elegir grados de intensidad para hacer una curva de intensidad en la intención del personaje. A veces se pueden marcan con colores distintos, a veces las clasifico por números de mayor a menor según su intensidad. • El conflicto externo (el que muestra) El conflicto interno (el deseo íntimo). Es mejor, para añadirle riqueza al personaje si no coincide con el conflicto externo. La contradicción siempre hace participar al público: planteando la duda, provoca al público la elección de una respuesta. • Todos los personajes que se relacionan con el personaje en la secuencia. Resumido en una frase, cada personaje que está en la secuencia. (ej: María: quiero seducirla, p.ej) Es interesante tener en cuenta si es la primera vez que el personaje entra en relación con el otro o por el contrario, si nuestro personaje tiene ya confianza para ir creando distintos matices en nuestro personaje. • Dificultad: Es el grado de dificultad en preparar la secuencia antes del rodaje y durante el rodaje. Con una sola ojeada, el actor organiza su tiempo para estar con la energía adecuada requerida por la escena. • Cámara: Los movimientos de la cámara y los objetivos que el Director comunica o con los que la secuencia ha sido rodada (información de la script). También las posiciones de la iluminación para comprobar el efecto producido cuando se proyecta lo rodado. • Vestuario: Los cambios de vestuario para imaginar mejor el personaje en la preparación de la secuencia. Es muy útil anotar en la preparación, aquellos cambios imaginados para discutirlo con el departamento de arte y vestuario. • Notas: Es el espacio destinado a apuntar ideas para sugerir al Director, detalles que se necesita pedir a utilería, características distintivas que se utilizan en un plano y que le gustaría repetir o no en otra secuencia, intenciones distintas surgidas en el rodaje que no estaban previstas en guión, etc... Funciona también: • Separar con colores o con rayas de fuerte trazo, los bloques o secuencias para señalizar los cambios de actitud del personaje. • Señalizar con colores cuando la secuencia ha sido ya rodada al lado del número de la secuencia. Normalmente un guión no posee la suficiente información para definir al personaje. El personaje en papel, “per se” no existe. Hay deseos del personaje que no están escritos o que se prestan a interpretación. Hay silencios del personaje cuando el actor expresará más que con palabras, deseos íntimos de su personaje, dando lugar a su creación que es intransferible, personal y original. El actor tiene una autoría en su interpretación audiovisual que parte ya de su propio aspecto físico y termina con las elecciones que hace a cada momento que dura su actuación. ¿Cuál es tu trabajo como director? Contar una historia de la manera más efectiva posible, usando todas la herramientas posibles. La más poderosa, que ha existido por más de 3000 años, es el actor.